Filmregisseur · Verwandelt ein Drehbuch in einen fertigen Film, indem er jede Einstellung, jede Aufführung und jeden Schnitt festlegt, und überzeugt dann einen Produzenten, ein Studio und ein Publikum davon, dass die Vision das Budge…
Dunklere Zellen bedeuten einen hoeheren Wert auf dieser Kennzahl.
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Nirgendwo auf der Welt ist ein formeller Abschluss oder eine Lizenz erforderlich; „Filmregisseur“ ist kein geschützter Titel. Viele erfolgreiche Regisseure, darunter Quentin Tarantino und Christopher Nolan, haben ihre Karriere größtenteils ohne einen Abschluss an einer Filmhochschule aufgebaut, obwohl Schulen wie AFI, USC, La Fémis und FTII nach wie vor ein gängiger Weg sind, weil sie Ausrüstung, Mentoring und ein Peer-Netzwerk bereitstellen, das autodidaktische Regisseure sonst alleine aufbauen müssten.
Es variiert erheblich je nach Projekt und nicht je nach Jahr, da Regisseure in der Regel pro Film oder pro Fernsehfolge statt eines festen Gehalts bezahlt werden. Ein erstmals in den USA gedrehter unabhängiger Spielfilm im Rahmen der Low-Budget-Vereinbarung der Directors Guild of America zahlt etwa 67.000 US-Dollar, während ein etablierter Regisseur eines Studio-Blockbusters Honorare und Einspielprämien im Wert von mehreren zehn Millionen US-Dollar verlangen kann.
Ein Regisseur kontrolliert die kreative Umsetzung eines Films am Set und im Schnitt und deckt dabei Leistung, Kamera und Tempo ab, während ein Produzent sich um Geld, Zeitplan, rechtliche Vereinbarungen und das gesamte Geschäft mit der Produktion und dem Verkauf des Films kümmert. Bei den meisten Produktionen verhandeln die beiden ständig, und gelegentlich übernimmt eine Person beides, aber es bleiben rechtlich und funktional unterschiedliche Aufgaben mit unterschiedlichen Verantwortlichkeiten.
Auteur ist französisch für „Autor“. Die Autorentheorie, die in den 1950er Jahren von Kritikern der französischen Zeitschrift Cahiers du Cinéma entwickelt wurde, besagt, dass ein Regisseur trotz des inhärenten kollaborativen Produktionsprozesses des Kinos eine persönliche künstlerische Vision über einen gesamten Film prägen kann. Die Theorie bleibt umstritten; Der Aufsatz der Kritikerin Pauline Kael aus dem Jahr 1971, in dem sie Orson Welles‘ alleinige Urheberschaft für „Citizen Kane“ bestritt, ist immer noch die berühmteste Herausforderung.
Die Aufgaben, die die KI bereits einigermaßen gut bewältigt, wie etwa das grobe Storyboarding, die Zusammenstellung eines ersten Schnittdurchgangs oder die Generierung von Hintergrundpublikum, waren immer die am wenigsten geschätzten Teile der Regie. Was überlebt, ist das Urteilsvermögen im echten Chaos: einem besorgten Schauspieler eine wahrheitsgetreue Leistung abzuringen, in Sekundenschnelle zu entscheiden, ob ein Schuss, den alle anderen für gut halten, tatsächlich nicht in Ordnung ist, und Finanziers davon zu überzeugen, einer Vision zu vertrauen, die noch niemand gesehen hat.
Es gibt keinen festen Zeitplan, was an sich schon der schwierigste Teil ist. Die meisten berufstätigen Regisseure verbringen zwei bis fünf Jahre damit, das Handwerk durch Kurzfilme oder Teamarbeit zu erlernen, und dann weitere Jahre damit, sich auf Festivals einen Namen zu machen, bevor sie einen Debütfilm finanzieren. Normalerweise vergeht zwischen einem ersten Kurzfilm und einem ersten bezahlten Regiejob mit echter kreativer Kontrolle ein Jahrzehnt oder länger.
Bei der Regie eines Films handelt es sich seltener um einen einzelnen Geistesblitz, der in Preisreden beschrieben wird, sondern um tausende kleine, schnelle Entscheidungen, die unter Zeitdruck getroffen werden: Wo soll die Kamera platziert werden, wie weit muss man einen Schauspieler bei einer vierten Einstellung drängen, ob die Szene, die der Zeitplan zulässt, die Szene ist, die die Geschichte tatsächlich braucht.
Auf dieser Seite werden die Kernkompetenzen aufgeschlüsselt, die der Job erfordert, wie ein Drehtag Stunde für Stunde aussieht, die Werkzeuge und Instrumente, nach denen Regisseure tatsächlich greifen, und das handwerkliche Wissen über Berichterstattung, Blockierung und das Vertrauen eines Schauspielers, das erfahrene Regisseure weitergeben, aber selten in ein Lehrbuch schreiben.
Der emotionale und erzählerische Inhalt einer Szene wird in eine bestimmte Einstellung, einen bestimmten Blickwinkel und eine bestimmte Komposition übersetzt, sodass die Bilder auch bei ausgeschaltetem Ton eine Bedeutung haben.
Einem Schauspieler durch Vertrauen, genaue Notizen und manchmal auch psychologischen Druck eine wahrheitsgetreue, konkrete Leistung entlocken, anstatt ihm einfach zu sagen, welche Emotionen er zeigen soll.
Planen Sie, wie sich Schauspieler durch einen Raum bewegen und welche zusätzlichen Winkel über den Master hinaus gedreht werden sollen, damit der Redakteur echtes Material zur Lösung von Problemen hat, die nur im Schneideraum auftreten.
Täglich Dutzende schnelle und sichere Entscheidungen vor einem hundertköpfigen Team treffen, das stundenweise Geld verbrennt, ohne Zeit zum Nachdenken und ohne Raum für sichtbare Panik.
Eine bestimmte kreative Absicht klar genug kommunizieren, dass Kameramann, Cutter, Produktionsdesigner und Komponist unabhängig voneinander Entscheidungen treffen können, die demselben einheitlichen Film dienen.
Das Verständnis von Budgets, Zeitplänen und der Art und Weise, wie einem Projekt tatsächlich Gelder zur Verfügung gestellt werden, ist eine Fähigkeit, die an Filmschulen selten direkt vermittelt wird, die jedoch darüber entscheidet, wer bei einem zweiten Film Regie führen darf.
Die meisten Regisseure schlafen während der Dreharbeiten nur kurz; Eine sechstägige Drehwoche mit frühen Anrufen und späten Abschlussarbeiten ist Standard, und Ruhe ist eines der ersten Dinge, die geopfert werden, wenn ein Tag lang wird.
Bevor die Crew anruft, überprüfen die Regisseure noch einmal die Aufnahmeliste und die Szenenseiten des Tages, besichtigen das Set, wenn es neu ist, und regeln etwaige nächtliche Änderungen des Wetters, der Besetzungsverfügbarkeit oder der Drehorte.
Der erste und oft produktivste Block des Tages: Szenen mit Schauspielern blockieren, Aufnahmen mit dem Kameramann planen und Master und Berichterstattung für die geplanten Seiten des Morgens drehen.
Eine obligatorische Essenspause dient gleichzeitig als Kontrollpunkt, bei dem die abgeschossenen Seiten mit den noch geschuldeten Seiten verglichen werden und häufig vor Ort entschieden wird, was gekürzt oder vereinfacht wird, wenn der Tag ins Hintertreffen gerät.
Die Dreharbeiten gehen weiter, Rennen laufen bei Tageslicht oder an einem gemieteten Standort, wobei der Regisseur die Qualität der Aufführung mit dem Zeitplan und den drohenden Kosten für Überstunden abwägt.
Nachdem die Crew zu Ende ist, geht der Regisseur häufig die Tageszeitungen des Tages durch, trifft sich mit dem ersten Regieassistenten und Kameramann, um die Aufnahmeliste für morgen fertigzustellen, und gibt dem Redakteur manchmal erste Notizen.
Handwerkswissen, das Praktiker tatsächlich weitergeben — keine Motivationssprüche.
Decken Sie eine Szene zunächst in einer großen Master-Aufnahme ab, die die gesamte Handlung enthält, dann in Halbbildern und Nahaufnahmen der Leistung jedes einzelnen Schauspielers, damit ein Cutter jederzeit und ohne sichtbare Abweichungen zwischen den Winkeln wechseln kann. Diese Technik übersteht jede Stilrichtung, weil sie den Film im Schnitt schützt.
Führen Sie die Schauspieler durch ihre Bewegungen und Positionen, bevor der Kameramann die Szene beleuchtet, denn Inszenierungs- und Augenlinienprobleme lassen sich kostengünstig beheben, bevor das Team eine Stunde damit verbracht hat, ein Blockierungsmuster auszuleuchten, das sich als nicht funktionierend herausstellt.
Geben Sie einem Schauspieler eine einzelne, spielbare Anpassung zwischen den Einstellungen und nicht eine Liste mit Korrekturen, da ein Darsteller jeweils nur über eine Anweisung aktiv nachdenken kann und ein Stapel Notizen dazu neigt, eine zögerliche, überlegte Einstellung anstelle einer besseren zu erzeugen.
Nutzen Sie die Probe, um einen Schauspieler im privaten Rahmen sicher scheitern zu lassen und lernen Sie, dass der Regisseur diesen Fehler beschützen wird, anstatt eine Aufführung im Voraus festzulegen; Regisseure, die zu viel proben, um eine Lesung an einer festen Linie zu erreichen, glätten oft die Spontaneität, die einer Einstellung vor der Kamera das Gefühl gibt, lebendig zu sein.
Sorgfältiges Storyboarding passt zu komplexen, teuren Sequenzen, Stunts, Effekten und choreografierten Kamerabewegungen, bei denen jede Einstellung im Voraus gelöst werden muss, während Dialog- und Performance-Szenen oft besser funktionieren, wenn der Regisseur locker genug mit dem Tag umgeht, um zu verfolgen, was ein Schauspieler im Moment entdeckt.
Machen Sie mindestens eine Sicherheitsaufnahme und einen Cutaway für jeden wichtigen Takt, bevor Sie weitermachen, denn ein am Set unsichtbares Problem, ein Boom-Schatten, eine nicht übereinstimmende Requisite oder eine Darbietung, die abgesehen von ihrem umgekehrten Winkel falsch abgespielt wird, wird erst im Schnittraum entdeckt, wenn die Schauspieler und das Set bereits weg sind.
Die persönliche Kopie des Drehbuchs eines Regisseurs, versehen mit Blocknotizen, Einstellungsideen und emotionalen Beats Szene für Szene, oft das am häufigsten zitierte Objekt am Set, frisch für jedes Projekt neu erstellt.
Eine Reihe von Monitoren in der Nähe des Sets, auf denen das Live-Feed der Kamera angezeigt wird, ermöglicht es dem Regisseur, den tatsächlichen Bildausschnitt und die Leistung einer Aufnahme in Echtzeit zu verfolgen, anstatt sich auf die Erinnerung an das Geschehen durch den Sucher zu verlassen.
Handgezeichnete Storyboards, ein Markenzeichen von Hitchcock, oder digitale Vorschautools wie FrameForge ermöglichen es einem Regisseur, komplexe Sequenzen, Stunts, Effekte und aufwändige Kamerabewegungen Aufnahme für Aufnahme zu planen, bevor ein einzelnes Bild tatsächlich gefilmt wird.
Die meisten Regisseure begleiten den Schnitt beim Postproduktionsschnitt und schneiden Testsequenzen zunehmend selbst, indem sie professionelle nichtlineare Schnittsoftware verwenden, um zu sehen, ob eine Szene tatsächlich funktioniert, bevor der gesamte Film gesperrt wird.
Eine ständige, unauffällige Verbindung zum ersten Regieassistenten und zu den Abteilungsleitern, die es einem Regisseur ermöglicht, eine Gruppe von hundert oder mehr Personen zu koordinieren, ohne über eine Bühne oder einen Ort schreien zu müssen.
Wenn man einer schönen, komplizierten Einstellung auf Kosten des Tempos der Geschichte oder der Leistung eines Schauspielers nachjagt, entsteht Filmmaterial, das alleine beeindruckend aussieht, aber den Film darum herum in den Schatten stellt, sobald es den Schnitt erreicht.
Ein Regisseur, der davon überzeugt ist, dass allein die Hauptaufnahme makellos ist, stellt beim Schnitt oft fest, dass sie nicht mit irgendetwas anderem in der Szene zusammenpasst, was einen kostspieligen Neudreh erzwingt, den eine ordnungsgemäße Berichterstattung gänzlich vermieden hätte.
Ein Regisseur, der nicht rechtzeitig eine Entscheidung treffen kann oder der Besetzung und Crew unter Druck mit Verachtung behandelt, verliert schnell das Selbstvertrauen des Raums, und ein Set, das seinem Regisseur nicht mehr vertraut, bekommt jeden Tag langsamere, teurere und schlechtere Aufnahmen.
Die nächsten Nachbarn im Sechs-Werte-Profil — nicht nur im selben Feld.
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