Geschichte des Filmregisseurs, von Lumière bis Streaming

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Die Filmregie ist einer der jüngsten Berufe in dieser Sammlung, die gleich doppelt erfunden wurde: einmal, als die Brüder Lumière bewiesen, dass sich ein projiziertes Foto bewegen kann, und ein weiteres Mal, ein paar Jahre später, als Georges Méliès erkannte, dass eine Kamera ebenso leicht lügen wie aufzeichnen konnte, dass man dafür eine Geschichte und nicht nur eine Szene inszenieren konnte.

Diese Seite folgt dem Film durch zehn Wendepunkte, fünf längere Epochen und drei Regierollen, die der Beruf im Laufe der Zeit verlor, vom Wochenschau-Regisseur zum Vertragsgehilfen des Studios, als sich das Filmemachen von einer Rummelplatz-Neuheit zu einer global finanzierten, global umkämpften Kunstform entwickelte.

Wo es begann

1895Paris, Frankreich

Am 28. Dezember 1895 verlangten Auguste und Louis Lumière zum ersten Mal Eintritt zu einem Programm von zehn Kurzfilmen im Salon Indien du Grand Café in Paris, darunter „Arbeiter verlassen die Lumière-Fabrik“ und „Ankunft eines Zuges in La Ciotat“. Bisher trug niemand in diesem Raum die Berufsbezeichnung „Direktor“. Die Lumières arbeiteten als Erfinder und Kameraleute, und die Idee, dass jemand eine Szene für die Kamera inszenieren und nicht nur aufzeichnen sollte, war noch einige Jahre entfernt.

Zeitstrahl

1895Die Gebrüder Lumière verlangen Eintritt

Auguste und Louis Lumière veranstalten die erste kostenpflichtige öffentliche Filmvorführung im Salon Indien du Grand Café in Paris, ein Programm mit zehn kurzen, in Einzelaufnahmen gedrehten Reality-Filmen, das den projizierten Film als kommerzielles Medium etabliert.

1902Méliès erfindet den Trickfilm-Blockbuster

Georges Méliès veröffentlicht „A Trip to the Moon“, eine vierzehnminütige Fantasie, die aus Stop-Motion-Ersetzungsstreifen, Doppelbelichtungen und handgemalten Farben besteht, das erste echte Spezialeffektspektakel des Kinos und der Beweis, dass ein Regisseur eine Geschichte inszenieren, statt sie aufzeichnen kann.

1915Griffith kodifiziert die Filmgrammatik und die Propaganda der Konföderierten

D. W. Griffiths „The Birth of a Nation“ ist Vorreiter bei der Nahaufnahme, dem Cross-Cut und der abendfüllenden Erzählstruktur, die dem Filmschnitt noch immer zugrunde liegen, und verherrlicht gleichzeitig den Ku-Klux-Klan so explizit, dass die NAACP Proteste organisiert und mehrere Städte ihn gänzlich verbieten.

1925Eisenstein kodifiziert die Montage

Sergei Eisensteins Schlachtschiff Potemkin baut sein Massaker an der Odessa-Stufe fast ausschließlich durch die Kollision von Schüssen im Schnitt auf und verwandelt die Montage von einer Schnittgewohnheit in eine lehrreiche sowjetische Theorie darüber, wie Bedeutung auf der Leinwand erzeugt wird.

1929Die Akademie vergibt ihren ersten Preis für die beste Regie

Die Academy of Motion Picture Arts and Sciences verleiht ihre ersten Regiepreise, die in diesem Jahr zwischen Frank Borzage für Drama und Lewis Milestone für Komödie aufgeteilt werden und damit Hollywoods eigene Hierarchie des Regieprestiges formalisieren.

1936Regisseure organisieren sich gegen die Studios

Frank Capra und etwa ein Dutzend anderer Regisseure gründeten die Screen Directors Guild, später Directors Guild of America, um den Regisseuren Mindestlöhne, kreativen Schutz und schließlich mehr Kontrolle über den ersten Schnitt ihrer eigenen Filme zu verschaffen.

1941Welles beweist, dass ein Studiovertrag immer noch Raum für Autorenschaft schaffen kann

Orson Welles, der im Alter von 25 Jahren von RKO eine beispiellose kreative Kontrolle erhalten hat, inszeniert Citizen Kane mit tiefgreifender Kinematographie und einer gebrochenen, nichtlinearen Struktur, einem Film, der bei den meisten Kritikern immer noch ganz oben auf der Liste der besten Filme aller Zeiten steht.

1951Kurosawa gewinnt Venedig und eröffnet das Weltkino

Akira Kurosawas Rashomon, erzählt durch vier widersprüchliche Augenzeugenberichte über dasselbe Verbrechen, gewinnt den Goldenen Löwen bei den Filmfestspielen von Venedig, macht das japanische Kino einem weltweiten Publikum bekannt und verleiht der Filmtheorie den Begriff „Rashomon-Effekt“.

1959Die französische Nouvelle Vague setzt die Autorentheorie in die Praxis um

François Truffauts „Die 400 Schläge“, gefolgt von Jean-Luc Godards „Atemlos“ ein Jahr später, wenden die „Autorentheorie“ von Cahiers du Cinéma vor Ort mit Handkameras und Sprungschnitten an und starten damit die französische Nouvelle Vague und ein neues Modell des Regisseurs als alleiniger Autor.

2019Ein Netflix-Film gewinnt den Preis für die beste Regie

Alfonso Cuarón gewinnt den Oscar für die beste Regie für „Roma“, eine von Netflix finanzierte und vertriebene Schwarz-Weiß-Memoiren in spanischer und mixtekischer Sprache. Dies ist die Bestätigung dafür, dass ein Streaming-Dienst nun mit regiegesteuerten Prestigefilmen Geld verdienen und gewinnen kann.

Die Epochen

Vorführung eines Stummfilms mit Live-Musikbegleitung — Metro Pictures Corporation (still) · Public domain · Wikimedia Commons

1895–1912

Kino vor dem Regisseur

Bevor „Regisseur“ eine Berufsbezeichnung war, stammten die frühesten Bilder des Kinos von Erfindern und Kameramännern: Die Brüder Lumière dokumentierten das wirkliche Leben, während Edwin S. Porter in den Vereinigten Staaten damit experimentierte, Aufnahmen in „The Great Train Robbery“ (1903) zu einer Sequenz zusammenzufügen. Georges Méliès, ein ehemaliger Bühnenmagier, ging am schnellsten. Er baute 1897 in Montreuil ein Studio mit Glaswänden und behandelte die Kamera selbst wie einen Zaubertrick, indem er sie mitten in der Einstellung anhielt, damit Objekte verschwinden, sich vervielfachten oder sich verwandelten, und er inszenierte ausgefeilte Fantasy-Erzählungen, Jahre bevor irgendjemand diese Arbeit als „Regie“ bezeichnete.

Porträtfoto des Regisseurs D. W. Griffith — Unknown author Unknown author · Public domain · Wikimedia Commons

1913–1927

Hollywood standardisiert eine von Regisseuren geleitete Grammatik

Da sich Filme von wenigen Minuten bis hin zu Spielfilmlängen erstreckten, musste jemand Dutzende von Einstellungen zu einer zusammenhängenden Geschichte organisieren, und D. W. Griffith hat mehr als jeder andere getan, um zu definieren, wie: Parallelschnitt, Nahaufnahme und Irisaufnahme wurden durch Filme wie „Die Geburt einer Nation“ (1915) zum Standardvokabular, deren erzählerische Innovationen untrennbar mit der expliziten Verherrlichung des Ku-Klux-Klans und der von ihm provozierten Proteste verbunden sind. In denselben Jahren konsolidierten sich Universal, Paramount und andere Studios zu vertikal integrierten Unternehmen, die bald Direktoren als Angestellte beschäftigen würden.

Ein Produktionsstandbild aus der Tonbühne eines Hollywood-Studios aus der klassischen Ära — Selznick International Pictures; Fred Parrish, photographer · Public domain · Wikimedia Commons

1927–1949

Der Ton kommt, das Studiosystem konsolidiert sich

Der Ton kam 1927 mit „The Jazz Singer“ kommerziell auf den Markt und zwang Regisseure, die an rein visuelles Geschichtenerzählen gewöhnt waren, am Set plötzlich Dialoge zu inszenieren und mit neuen Aufnahmegeräten umzugehen. Hollywoods große Studios besaßen nun Produktion, Vertrieb und eigene Theaterketten und beschäftigten Vertragsregisseure wie John Ford und Michael Curtiz mit festen mehrjährigen Verträgen, die kaum Kontrolle über den endgültigen Schnitt hatten; 1936 gründeten Frank Capra und andere Regisseure die Screen Directors Guild, um einen Teil dieser Autorität zurückzugewinnen. In der Sowjetunion verfolgte Sergei Eisenstein ein entgegengesetztes, staatlich finanziertes Modell, das ausschließlich auf der Theorie des Regieschnitts basierte.

Eine Szene, die an den Handheld-On-Location-Stil der französischen New Wave erinnert — Janus Films · Public domain · Wikimedia Commons

1950–1968

Globale neue Wellen fordern den Studioleiter heraus

Das Nachkriegspublikum entdeckte, dass Hollywood nicht die einzige und nicht einmal die einfallsreichste Quelle des Kinos war. Akira Kurosawas „Rashomon“ (1950) und Ingmar Bergmans strenge schwedische Dramen gewannen Preise in Venedig und Cannes, Federico Fellini verwandelte das italienische Kino nach innen und surreal, und in Frankreich drehten Kritiker, die zu Regisseuren bei Cahiers du Cinéma wurden, darunter Truffaut und Godard, neben Filmemachern des linken Ufers wie Agnès Varda, auf echten Straßen mit kleinen Crews und Jump Cuts und argumentierten in gedruckter Form und auf der Leinwand, dass a Der Regisseur könnte der wahre Autor eines Films sein.

Ein Filmkamera-Setup aus den 1970er Jahren, das an die New Hollywood-Ära erinnert — Distributed by Warner Bros.-Seven Arts . · Public domain · Wikimedia Commons

1969–heute

New Hollywood, Blockbuster und die Streaming-Plattform

Neue Hollywood-Regisseure, darunter Coppola, Scorsese, Altman und Spielberg, gewannen in den frühen 1970er-Jahren kurzzeitig das Vertrauen der Studios, persönliche, vom Regisseur geleitete Filme zu drehen, bevor „Der Weiße Hai“ (1975) und „Star Wars“ (1977) bewiesen, dass ein einziger Blockbuster die gesamte bisherige Liste eines Studios übertreffen konnte, und die Branche in Richtung effektorientierter Filmproduktion im Franchise-Maßstab zog. Digitalkameras und nichtlinearer Schnitt machten dann die Kosten für Experimente überflüssig, und in den 2010er Jahren finanzierten und vertrieb Streaming-Plattformen Regiefilme direkt und übergingen Kinos für Projekte, für deren Herstellung ein Jahrzehnt zuvor überhaupt ein traditionelles Studio nötig gewesen wäre.

Was dieser Beruf ersetzt hat

Verwandte Berufe, die nicht mehr existieren — aufgegangen, automatisiert oder wegreguliert.

Der Wochenschau-Regisseur

C. 1910–1967

Theaterwochenschauen, darunter Pathé News, Universal Newsreel und Fox Movietone, beschäftigten ihre eigenen Regisseure, um kurze Sachsendungen zu drehen und zu schneiden, die vor jedem Spielfilm gezeigt wurden, eine Regiekarriere, die ausschließlich auf wöchentlichen Abgabeterminen und nicht auf narrativer Kontrolle beruhte. In den 1960er Jahren machten Fernsehnachrichten die Theaterwochenschau überflüssig; Universal Newsreel, der letzte große amerikanische Sender, wurde 1967 geschlossen.

Der Vertragsstudioleiter

C. 1920er–1950er Jahre

Hollywood-Regisseure des Goldenen Zeitalters waren routinemäßig angestellte Studioangestellte im Rahmen exklusiver mehrjähriger Verträge, denen Projekte zugeteilt wurden, anstatt sie selbst auszuwählen, und nur selten die endgültige Fassung ihrer Filme selbst kontrollierten. Das Kartellurteil „USA gegen Paramount Pictures“ aus dem Jahr 1948 zwang die Studios dazu, ihre Theaterketten zu verkaufen und Exklusivverträge aufzugeben, und innerhalb eines Jahrzehnts verhandelten die meisten Regisseure stattdessen Film für Film als Freiberufler.

Der Regisseur des seriellen Kapitelspiels

C. 1913–1956

Studios wie Republic Pictures und Universal beschäftigten Regisseure, die sich ausschließlich auf Serien spezialisiert hatten, Actiongeschichten, die in wöchentlichen Folgen von zwölf bis fünfzehn Kapiteln veröffentlicht wurden, die jeweils mit einem Cliffhanger endeten und schnell und günstig für das Samstagsmatinee-Publikum gedreht wurden. Republic veröffentlichte seine letzte amerikanische Kinoserie im Jahr 1955, und das Format verschwand innerhalb weniger Jahre aus den Kinos, da das Fernsehen stattdessen einen wöchentlichen Cliffhanger direkt in die Wohnzimmer lieferte.

Berufe, die verschwunden sind →

Der rote Faden, der sich durch 130 Jahre Berufsleben zieht, ist ein sich immer weiter verschärfender Streit darüber, wer eigentlich als Autor bezeichnet werden darf: Méliès und Griffith konnten immer noch fast jedes Bild ihrer eigenen Filme beeinflussen, während der heutige Regisseur zunehmend die Autorenschaft mit den Franchise-Regeln eines Studios, den Daten einer Streaming-Plattform und einer Software teilt, die über Nacht ein ganzes Storyboard erstellen kann.

Was sich nicht geändert hat, ist die Frage, wo die Verantwortung am Drehtag liegt. Wer auch immer den Titel trägt, in welchem Jahrzehnt auch immer, ist die Person, die eine hundertköpfige Crew, ein nervöser Finanzier und schließlich ein Publikum dafür verantwortlich machen wird, ob aus dem Filmmaterial in der Dose tatsächlich ein Film wird.

🎬Ursprünge & Entwicklung

Wo es begann

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