História do diretor de cinema, do Lumière ao streaming

A realização de filmes é uma das profissões mais jovens desta coleção, inventada duas vezes: uma vez, quando os irmãos Lumière provaram que uma fotografia projetada podia mover-se, e novamente, alguns anos mais tarde, quando Georges Méliès percebeu que uma câmara podia mentir tão facilmente como podia gravar, que uma história, e não apenas uma cena, poderia ser encenada para ela.

Esta página acompanha o trabalho através de dez momentos decisivos, cinco eras mais longas e três papéis de direção que a profissão perdeu ao longo do caminho, do diretor de cinejornal ao jornaleiro contratado do estúdio, à medida que o cinema passou de uma novidade de feira para uma forma de arte financiada e contestada globalmente.

Where it began

1895Paris, França

Em 28 de dezembro de 1895, Auguste e Louis Lumière cobraram pela primeira vez a entrada para um programa de dez curtas-metragens no Salon Indien du Grand Café em Paris, incluindo Trabalhadores Saindo da Fábrica Lumière e a quinquagésima segunda Chegada de um Trem em La Ciotat, uma exibição posteriormente mitificada, provavelmente com exagero, como tendo feito o público fugir de um trem que se aproximava que era apenas uma projeção. Ninguém naquela sala ainda tinha o cargo de “diretor”; os Lumière trabalharam como inventores e operadores de câmera, e a ideia de que alguém deveria encenar, em vez de simplesmente gravar, uma cena para a câmera ainda estava a alguns anos de distância.

Timeline

1895Os irmãos Lumière cobram entrada

Auguste e Louis Lumière realizam a primeira exibição pública paga de um filme no Salon Indien du Grand Café, em Paris, um programa de dez curtas-metragens de realidade única que estabelece o filme projetado como meio comercial.

1902Méliès inventa o filme de sucesso de bilheteria

Georges Méliès lança Uma Viagem à Lua, uma fantasia de catorze minutos construída a partir de emendas de substituição de stop-motion, exposições duplas e cores pintadas à mão, o primeiro verdadeiro espetáculo de efeitos especiais do cinema e a prova de que um diretor poderia encenar uma história em vez de gravá-la.

1915Griffith codifica a gramática do cinema e a propaganda confederada

O Nascimento de uma Nação, de DW Griffith, é pioneiro no close-up, na estrutura narrativa transversal e de longa-metragem que ainda sustenta a edição de filmes, ao mesmo tempo que glorifica a Ku Klux Klan tão explicitamente que a NAACP organiza protestos e várias cidades a proíbem completamente.

1925Eisenstein codifica a montagem

O Encouraçado Potemkin de Sergei Eisenstein constrói seu massacre na Escadaria de Odessa quase inteiramente através da colisão de planos na edição, transformando a montagem de um hábito de edição em uma teoria soviética ensinável de como o significado é gerado na tela.

1929A Academia distribui seu primeiro prêmio de Melhor Diretor

A Academia de Artes e Ciências Cinematográficas apresenta seus primeiros prêmios de direção, divididos naquele ano entre Frank Borzage para drama e Lewis Milestone para comédia, formalizando a hierarquia de prestígio de direção de Hollywood.

1936Diretores se organizam contra os estúdios

Frank Capra e cerca de uma dúzia de outros diretores fundaram o Screen Directors Guild, mais tarde Directors Guild of America, para ganhar aos diretores salário mínimo, proteções criativas e, eventualmente, mais controle sobre a primeira versão de seus próprios filmes.

1941Welles prova que contrato de estúdio ainda pode abrir espaço para autoria

Orson Welles, que recebeu controle criativo sem precedentes da RKO aos 25 anos, dirige Cidadão Kane usando uma cinematografia de foco profundo e uma estrutura fraturada e não linear, um filme que ainda está no topo da lista dos melhores já dirigidos pela maioria dos críticos.

1951Kurosawa vence Veneza e abre o cinema mundial

Rashomon de Akira Kurosawa, contado através de quatro relatos contraditórios de testemunhas oculares do mesmo crime, ganha o Leão de Ouro no Festival de Cinema de Veneza, apresentando o cinema japonês a um público global e dando à teoria do cinema o termo “efeito Rashomon”.

1959A Nouvelle Vague Francesa coloca em prática a teoria do autor

The 400 Blows, de François Truffaut, seguido um ano depois por Breathless, de Jean-Luc Godard, aplica a “teoria do autor” dos Cahiers du Cinéma em locações com câmeras portáteis e cortes de salto, lançando a Nouvelle Vague francesa e um novo modelo do diretor como único autor.

2019Um filme da Netflix ganha o prêmio de Melhor Diretor

Alfonso Cuarón ganha o Oscar de Melhor Diretor por Roma, um livro de memórias em preto e branco, em espanhol e mixteca, financiado e distribuído pela Netflix, a confirmação de que um serviço de streaming pode agora financiar e vencer com a produção de filmes de prestígio voltada para o diretor.

The eras

Filme mudo exibido com acompanhamento musical ao vivo — Metro Pictures Corporation (still) · Public domain · Wikimedia Commons

1895–1912

Cinema antes do diretor

Antes de 'diretor' ser um cargo, as primeiras imagens do cinema vieram de inventores e operadores de câmera: os irmãos Lumière documentaram a vida real, enquanto nos Estados Unidos Edwin S. Porter experimentou editar tomadas juntas em uma sequência em The Great Train Robbery (1903). Georges Méliès, um antigo mágico de palco, foi mais longe, construindo um estúdio com paredes de vidro em Montreuil em 1897 e tratando a própria câmara como um truque de magia, parando-a a meio do disparo para fazer objectos desaparecerem, multiplicarem-se ou transformarem-se, e encenando elaboradas narrativas de fantasia anos antes de alguém chamar esse trabalho de “realização”.

Fotografia de retrato do diretor D. W. Griffith — Unknown author Unknown author · Public domain · Wikimedia Commons

1913–1927

Hollywood padroniza uma gramática liderada por diretores

Como os filmes se estendiam de alguns minutos até o longa-metragem, alguém tinha que organizar dezenas de tomadas em uma história coerente, e D. W. Griffith fez mais do que ninguém para definir como: a edição paralela, o close-up e a tomada da íris tornaram-se vocabulário padrão através de filmes como O Nascimento de uma Nação (1915), cujas inovações narrativas são inseparáveis de sua glorificação explícita da Ku Klux Klan e dos protestos que ela provocou. Nos mesmos anos, a Universal, a Paramount e outros estúdios consolidaram-se em empresas verticalmente integradas que em breve empregariam diretores como pessoal assalariado.

Uma produção ainda de um estúdio de estúdio de Hollywood da era clássica — Selznick International Pictures; Fred Parrish, photographer · Public domain · Wikimedia Commons

1927–1949

O som chega, o sistema de estúdio se consolida

O som chegou comercialmente com The Jazz Singer em 1927, forçando os diretores acostumados com a narrativa puramente visual a encenar subitamente diálogos e gerenciar novos equipamentos de gravação no set. Os principais estúdios de Hollywood agora possuíam produção, distribuição e suas próprias cadeias de teatro, empregando diretores contratados como John Ford e Michael Curtiz em contratos fixos de vários anos, com pouco controle sobre a edição final; em 1936, Frank Capra e outros diretores fundaram o Screen Directors Guild para reconquistar parte dessa autoridade. Na União Soviética, Sergei Eisenstein perseguiu um modelo oposto, financiado pelo Estado, construído inteiramente em torno da teoria da edição de direção.

Uma cena que evoca o estilo portátil e local da New Wave francesa — Janus Films · Public domain · Wikimedia Commons

1950–1968

Novas ondas globais desafiam o diretor do estúdio

O público do pós-guerra descobriu que Hollywood não era a única, nem mesmo a mais inventiva, fonte de cinema. Rashomon (1950), de Akira Kurosawa, e os austeros dramas suecos de Ingmar Bergman ganharam prêmios em Veneza e Cannes, Federico Fellini tornou o cinema italiano introspectivo e surreal, e na França, críticos que viraram diretores de Cahiers du Cinéma, Truffaut e Godard entre eles, ao lado de cineastas da Margem Esquerda como Agnès Varda, filmados em ruas reais com pequenas equipes e cortes de salto, discutindo na imprensa e em tela que um diretor poderia ser o verdadeiro autor de um filme.

Uma configuração de câmera de filme dos anos 1970 evocando a era da Nova Hollywood — Distributed by Warner Bros.-Seven Arts . · Public domain · Wikimedia Commons

1969 – presente

Nova Hollywood, sucessos de bilheteria e plataforma de streaming

Os novos diretores de Hollywood, entre eles Coppola, Scorsese, Altman e Spielberg, conquistaram brevemente a confiança dos estúdios para fazer filmes pessoais dirigidos por diretores no início dos anos 1970, antes de Tubarão (1975) e Guerra nas Estrelas (1977) provarem que um único sucesso de bilheteria poderia superar toda a lista anterior de um estúdio e puxar a indústria para a produção de filmes em escala de franquia e baseada em efeitos. As câmeras digitais e a edição não linear dissolveram então o custo da experimentação e, na década de 2010, as plataformas de streaming financiavam e distribuíam diretamente filmes liderados por diretores, ignorando os cinemas para projetos que uma década antes precisariam de um estúdio tradicional para serem produzidos.

What this job replaced

Neighbouring trades that no longer exist — absorbed, automated or regulated away.

O diretor do noticiário

c. 1910–1967

Os cinejornais teatrais, entre eles Pathé News, Universal Newsreel e Fox Movietone, empregaram seus próprios diretores para filmar e cortar pequenos programas factuais exibidos antes de cada longa-metragem, uma carreira de direção construída inteiramente em torno de prazos semanais, em vez de controle narrativo. Os noticiários televisivos tornaram obsoletos os cinejornais teatrais durante a década de 1960; O Universal Newsreel, o último grande jornal americano, fechou em 1967.

O diretor do estúdio contratado

c. Décadas de 1920 a 1950

Os diretores da Era de Ouro de Hollywood eram rotineiramente funcionários de estúdio assalariados sob contratos plurianuais exclusivos, designados para projetos em vez de escolhê-los e raramente controlando a edição final de seus próprios filmes. A decisão antitruste de 1948, Estados Unidos x Paramount Pictures, forçou os estúdios a vender suas redes de cinemas e a abandonar contratos de exclusividade, e em uma década a maioria dos diretores estava negociando filme por filme como freelancers.

O diretor da peça em série

c. 1913–1956

Estúdios como Republic Pictures e Universal empregavam diretores especializados inteiramente em seriados, histórias de ação lançadas em episódios semanais de doze a quinze capítulos, cada um terminando em um momento de angústia, filmados de forma rápida e barata para o público da matinê de sábado. A Republic lançou sua última série teatral americana em 1955, e o formato desapareceu dos cinemas em alguns anos, quando a televisão transmitiu um suspense semanal direto para as salas de estar.

Trades that vanished →

O fio condutor ao longo de 130 anos de profissão é uma discussão cada vez maior sobre quem realmente pode ser chamado de autor: Méliès e Griffith ainda poderiam tocar em quase todos os quadros de seus próprios filmes, enquanto o diretor de hoje compartilha cada vez mais a autoria com as regras de franquia de um estúdio, os dados de uma plataforma de streaming e um software que pode gerar um storyboard inteiro da noite para o dia.

O que não mudou é onde está a responsabilidade no dia da filmagem. Quem detém o título, em qualquer década, é a pessoa que uma equipe de cem pessoas, um financiador nervoso e, eventualmente, um público será responsável por saber se a filmagem na lata realmente se tornará um filme.

🎬Origins & Evolution

Where it began

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