Diretor de cinema · Transforma um roteiro em um filme finalizado, decidindo cada tomada, performance e corte, e depois convence o produtor, o estúdio e o público de que a visão valeu o orçamento.
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Nenhum diploma ou licença formal é exigido em qualquer lugar do mundo; 'diretor de cinema' não é um título protegido. Muitos realizadores de sucesso, incluindo Quentin Tarantino e Christopher Nolan, construíram carreiras em grande parte sem uma licenciatura em cinema, embora escolas como AFI, USC, La Fémis e FTII continuem a ser um caminho comum porque fornecem equipamento, orientação e uma rede de pares que os realizadores autodidatas, de outra forma, terão de construir sozinhos.
Varia enormemente por projeto e não por ano, uma vez que os diretores normalmente são pagos por filme ou por episódio de televisão, em vez de um salário fixo. Um filme independente estreante nos EUA sob o acordo de baixo orçamento do Directors Guild of America paga cerca de US$ 67 mil, enquanto um diretor consagrado em um sucesso de bilheteria pode cobrar honorários e bônus de bilheteria no valor de dezenas de milhões de dólares.
Um diretor controla a execução criativa de um filme no set e na edição, cobrindo desempenho, câmera e ritmo, enquanto um produtor gerencia o dinheiro, o cronograma, os acordos legais e os negócios gerais para fazer e vender o filme. Na maioria das produções, os dois negociam constantemente, e ocasionalmente uma pessoa faz as duas coisas, mas permanecem empregos legal e funcionalmente distintos, com responsabilidades diferentes.
Auteur significa 'autor' em francês. A teoria do autor, desenvolvida por críticos da revista francesa Cahiers du Cinéma na década de 1950, argumenta que um diretor pode imprimir uma visão artística pessoal em um filme inteiro, apesar do processo de produção inerentemente colaborativo do cinema. A teoria permanece contestada; o ensaio de 1971 da crítica Pauline Kael contestando a autoria exclusiva de Orson Welles de Cidadão Kane ainda é seu desafio mais famoso.
As tarefas que a IA já realiza razoavelmente bem, como storyboards rudimentares, montagem de uma primeira passagem de edição ou geração de multidões de fundo, sempre foram as partes menos valorizadas da direção. O que sobrevive é o julgamento sob o verdadeiro caos: persuadir um ator ansioso a ter uma atuação verdadeira, decidir em segundos se uma cena que todos os outros acham que é boa na verdade não é, e persuadir os financiadores a confiar numa visão que ninguém viu ainda.
Não existe um cronograma fixo, o que é a parte mais difícil. A maioria dos diretores em atividade passa de dois a cinco anos aprendendo o ofício por meio de curtas ou trabalho de equipe, e depois mais anos construindo uma reputação no circuito de festivais antes de financiar um longa-metragem de estreia, geralmente uma década ou mais entre um primeiro curta-metragem e um primeiro trabalho remunerado de direção com verdadeiro controle criativo.
Poucas profissões foram tão completamente mitificadas pelo seu próprio produto como a realização de filmes: a indústria que faz filmes sobre génios torturados que lutam contra executivos de estúdios filisteus é a mesma que emprega maioritariamente realizadores como trabalhadores contratados substituíveis numa determinada semana. A lacuna entre essas duas imagens é em si um dos temas mais persistentes da cultura.
Esta página acompanha como a posição social real do diretor aumentou e diminuiu ao longo da história do cinema, como os diretores foram retratados na tela e fora dela, e os ditados, gírias e pequenos rituais, o estalo da claquete, o direito exclusivo de chamar 'cortar', que marcam um cenário de filme como seu local de trabalho particular.
How much status the profession carried in each era, on a 0–100 scale.
A maioria dos diretores da era do cinema mudo trabalhava anonimamente dentro de uma linha de produção; apenas alguns, entre eles Griffith e Cecil B. DeMille, tornaram-se nomes realmente reconhecidos pelo público em geral.
Os diretores contratados eram artesãos respeitados, mas funcionários assalariados do estúdio que raramente escolhiam seus próprios projetos ou controlavam o corte final, mais próximos em status de um chefe de departamento qualificado do que de um artista independente.
Críticos e cineastas argumentaram que um diretor poderia ser o verdadeiro “autor” de um filme, e a ideia se consolidou nas escolas de jornalismo e cinema, elevando o status cultural do diretor acima de qualquer outro papel criativo no set.
Coppola, Scorsese e seus pares tornaram-se verdadeiras celebridades públicas durante um raro período em que os estúdios financiaram filmes pessoais dirigidos por diretores, consolidando a imagem popular do diretor como artista visionário.
Os principais diretores continuam culturalmente poderosos, mas a produção baseada em franquias e baseada em IP esvaziou o meio da profissão, e muitos públicos agora seguem uma plataforma de streaming ou marca de franquia em vez do nome de um diretor.
Marcello Mastroianni interpreta um diretor paralisado por um bloqueio criativo enquanto produtores, atrizes e seu próprio passado se aglomeram em sua imaginação, transformando a ansiedade particular de Fellini em fazer o filme no próprio filme, sem dúvida o retrato mais influente do cinema sobre a vida interior de um diretor.
Truffaut se apresenta como um diretor que faz malabarismos com o colapso de um protagonista, um caso entre co-estrelas e um roteiro reescrito diariamente, apresentando a direção menos como um gênio inspirado do que como um gerenciamento constante e exaustivo de crises; o filme ganhou o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro.
Johnny Depp interpreta Edward D. Wood Jr., um diretor de filmes B genuinamente sem talento, mas incansavelmente apaixonado, filmando cenários de papelão e OVNIs pouco convincentes, um filme biográfico caloroso que argumenta que a sinceridade e o amor pela arte podem ser mais importantes do que a habilidade.
Um diretor independente de baixo orçamento, interpretado por Steve Buscemi, enfrenta um dia desastroso de filmagem com equipamentos com defeito, um ator difícil e uma sequência de sonho que deu errado, uma comédia construída a partir das próprias frustrações do diretor e roteirista Tom DiCillo em seu filme de estreia.
Montado a partir de imagens filmadas por Eleanor Coppola enquanto seu marido Francis Ford Coppola fazia Apocalypse Now, este documentário mostra um diretor quase destruído por sua própria produção, um tufão, um ataque cardíaco, um Marlon Brando despreparado, antes de entregar uma obra-prima de qualquer maneira.
Seguindo um jovem assistente de produção em um estúdio de animação japonês em dificuldades, Shirobako passa episódios inteiros no trabalho específico e nada glamoroso de um diretor de anime, discutindo storyboards, dubladores e prazos, um retrato voltado para pessoas de dentro da indústria, e não para romances externos.
Uma claquete colocada na frente da lente no início de cada tomada dá ao editor um quadro único e preciso para sincronizar a imagem com o som, e uma cena falada e um número de tomada para encontrar a filmagem certa entre milhares de clipes, um ritual puramente funcional tão arraigado que se tornou a abreviatura visual do cinema para 'filmar' em si.
Pela etiqueta aplicada na maioria das produções cinematográficas em língua inglesa, ninguém, exceto o diretor, deve chamar 'cortar' para encerrar uma tomada, mesmo quando algo visivelmente dá errado, um pequeno e bem guardado pedaço de autoridade que marca quem está realmente no comando da tomada.
No final das filmagens, os diretores e atores principais costumam dar à equipe presentes personalizados ou jaquetas bordadas com o título e as datas do filme, e o último dia é marcado com uma festa de encerramento, uma tradição que transforma a dissolução de uma produção em uma cerimônia pequena e deliberada.
A imagem cultural da direção de cinema oscila entre dois extremos que o trabalho real raramente ocupa por muito tempo: o anônimo estúdio trabalhando em uma tarefa e o visionário singular lutando contra executivos filisteus por uma obra-prima pessoal.
Ambas as imagens obscurecem a mesma realidade: a autoridade real de um diretor sempre foi negociada, com um estúdio em 1935, com um financiador em 1975, ou com a equipe de dados de uma plataforma de streaming hoje, nunca simplesmente de propriedade total, independentemente do que os créditos iniciais impliquem.
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