Histoire du réalisateur, des Lumière au streaming

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La réalisation est l'une des professions les plus jeunes de cette collection, inventée deux fois : d'abord quand les frères Lumière prouvèrent qu'une photographie projetée pouvait bouger, puis quelques années plus tard quand Georges Méliès comprit qu'une caméra pouvait mentir aussi facilement qu'enregistrer — qu'une histoire, pas seulement une scène, pouvait être mise en scène pour elle.

Cette page suit le métier à travers dix tournants, cinq époques plus longues et trois rôles de réalisation que la profession a perdus en route — du réalisateur de actualités au réalisateur salarié du studio — alors que le cinéma passait de curiosité foraine à forme d'art financée et disputée à l'échelle mondiale.

Where it began

1895Paris, France

Le 28 décembre 1895, Auguste et Louis Lumière facturèrent pour la première fois l'entrée d'un programme de dix courts métrages au Salon Indien du Grand Café à Paris, dont La Sortie de l'usine Lumière à Lyon et L'Arrivée d'un train en gare de La Ciotat, cinquante secondes, projection plus tard mythifiée — probablement avec exagération — comme ayant fait fuir le public devant un train approchant qui n'était qu'une projection. Personne dans cette salle ne portait encore le titre de « réalisateur » ; les Lumière travaillaient comme inventeurs et opérateurs, et l'idée que quelqu'un doive mettre en scène, plutôt que simplement enregistrer, une scène pour la caméra restait encore à quelques années.

Timeline

1895Les frères Lumière facturent l'entrée

Auguste et Louis Lumière organisent la première projection payante au Salon Indien du Grand Café à Paris, un programme de dix courts actualités à plan unique qui établit le film projeté comme média commercial.

1902Méliès invente le blockbuster à trucages

Georges Méliès sort Le Voyage dans la Lune, un fantastique de quatorze minutes construit avec arrêts caméra, surimpressions et couleurs peintes à la main — premier vrai spectacle d'effets spéciaux du cinéma et preuve qu'un réalisateur pouvait mettre en scène une histoire plutôt qu'enregistrer.

1915Griffith codifie la grammaire et une propagande confédérée

Naissance d'une nation de D. W. Griffith inaugure le gros plan, le montage alterné et la structure narrative de long métrage qui sous-tendent encore le montage, tout en glorifiant le Ku Klux Klan si explicitement que la NAACP organise des protestations et que plusieurs villes interdisent le film.

1925Eisenstein codifie le montage

Le Cuirassé Potemkine de Sergei Eisenstein construit le massacre des escaliers d'Odessa presque entièrement par la collision de plans au montage, faisant du montage une théorie soviétique enseignable de la production de sens à l'écran.

1929L'Académie remet son premier Oscar du réalisateur

L'Academy of Motion Picture Arts and Sciences remet ses premiers prix de réalisation, séparés cette année-là entre Frank Borzage pour le drame et Lewis Milestone pour la comédie, formalisant la hiérarchie hollywoodienne du prestige du réalisateur.

1936Les réalisateurs s'organisent contre les studios

Frank Capra et une douzaine d'autres réalisateurs fondent le Screen Directors Guild, devenu le Directors Guild of America, pour obtenir salaires minimums, protections créatives et, à terme, plus de contrôle sur le premier montage de leurs propres films.

1941Welles prouve qu'un contrat de studio laisse place à l'auteur

Orson Welles, âgé de vingt-cinq ans et doté d'un contrôle créatif sans précédent par la RKO, réalise Citizen Kane avec une profondeur de champ et une structure non linéaire qui le placent encore en tête de la plupart des listes des plus grands films jamais réalisés.

1951Kurosawa remporte Venise et ouvre le cinéma mondial

Rashomon d'Akira Kurosawa, raconté par quatre témoignages contradictoires d'un même crime, remporte le Lion d'or à Venise, introduit le cinéma japonais au public mondial et donne à la théorie du « effet Rashomon ».

1959La Nouvelle Vague met la politique des auteurs en pratique

Les 400 Coups de François Truffaut, suivi un an plus tard par À bout de souffle de Jean-Luc Godard, appliquent la théorie de l'auteur des Cahiers du cinéma sur lieux réels avec caméra à l'épaule et jump cuts, lançant la Nouvelle Vague et un nouveau modèle du réalisateur comme auteur unique.

2019Un film Netflix remporte l'Oscar du réalisateur

Alfonso Cuarón remporte l'Oscar du meilleur réalisateur pour Roma, mémoire en noir et blanc en espagnol et mixtèque financée et distribuée par Netflix, confirmation qu'une plateforme de streaming pouvait financer et gagner avec un cinéma d'auteur de prestige.

The eras

Un film muet projeté avec accompagnement musical en direct — Metro Pictures Corporation (still) · Public domain · Wikimedia Commons

1895–1912

Le cinéma avant le réalisateur

Avant que « réalisateur » soit un titre, les premières images venaient d'inventeurs et d'opérateurs : les Lumière documentaient la vie réelle, tandis qu'aux États-Unis Edwin S. Porter expérimentait le montage de plans en séquence dans The Great Train Robbery (1903). Georges Méliès, ancien prestidigitateur de scène, alla le plus loin le plus vite, construisant un studio vitré à Montreuil en 1897 et traitant la caméra comme un trucage — arrêt en cours de prise pour faire disparaître, multiplier ou transformer des objets, et mettre en scène des récits fantastiques des années avant qu'on appelle cela « réaliser ».

Portrait photographique du réalisateur D. W. Griffith — Unknown author Unknown author · Public domain · Wikimedia Commons

1913–1927

Hollywood standardise une grammaire dirigée par le réalisateur

Quand les films passèrent de quelques minutes à la durée du long métrage, quelqu'un devait organiser des dizaines de plans en histoire cohérente, et D. W. Griffith fit plus que quiconque pour définir comment : montage parallèle, gros plan et iris devinrent vocabulaire standard avec Naissance d'une nation (1915), dont les innovations narratives sont indissociables de sa glorification explicite du Ku Klux Klan. Les mêmes années virent Universal, Paramount et d'autres studios se consolider en entreprises verticalement intégrées employant bientôt des réalisateurs comme personnel salarié.

Photo de plateau d'un studio hollywoodien de l'ère classique — Selznick International Pictures; Fred Parrish, photographer · Public domain · Wikimedia Commons

1927–1949

Le son arrive, le système des studios se consolide

Le son arriva commercialement avec The Jazz Singer en 1927, obligeant des réalisateurs habitués au récit purement visuel à mettre en scène le dialogue et gérer de nouveaux équipements d'enregistrement. Les grands studios hollywoodiens possédaient désormais production, distribution et salles, employant des réalisateurs sous contrat comme John Ford et Michael Curtiz avec peu de contrôle sur le montage final ; en 1936, Frank Capra et d'autres fondèrent le Screen Directors Guild pour reconquérir une part de cette autorité. En Union soviétique, Sergei Eisenstein poursuivit un modèle opposé, entièrement financé par l'État, autour de la théorie du montage.

Une scène évoquant le style à l'épaule et en extérieur de la Nouvelle Vague — Janus Films · Public domain · Wikimedia Commons

1950–1968

Les nouvelles vagues mondiales défient le réalisateur de studio

Les publics d'après-guerre découvrirent qu'Hollywood n'était pas la seule — ni la plus inventive — source de cinéma. Rashomon (1950) d'Akira Kurosawa et les drames austères d'Ingmar Bergman remportèrent des prix à Venise et Cannes, Federico Fellini tourna le cinéma italien vers l'intérieur et le surréel, et en France des critiques devenus réalisateurs aux Cahiers du cinéma, Truffaut et Godard entre autres, aux côtés de cinéastes de la Rive gauche comme Agnès Varda, tournèrent dans les rues avec de petites équipes et des jump cuts, affirmant à l'écrit et à l'écran qu'un réalisateur pouvait être le vrai auteur d'un film.

Un dispositif de caméra des années 1970 évoquant le New Hollywood — Distributed by Warner Bros.-Seven Arts . · Public domain · Wikimedia Commons

1969–présent

New Hollywood, blockbusters et plateformes de streaming

Les réalisateurs du New Hollywood — Coppola, Scorsese, Altman et Spielberg entre autres — obtinrent brièvement la confiance des studios pour des films personnels au début des années 1970, avant que Les Dents de la mer (1975) et Star Wars (1977) prouvent qu'un seul blockbuster pouvait dépasser toute la programmation antérieure d'un studio et orienter l'industrie vers des franchises à effets. Les caméras numériques et le montage non linéaire dissolvirent le coût de l'expérimentation, et dans les années 2010 les plateformes de streaming finançaient et distribuaient directement des films d'auteur, contournant les salles pour des projets qu'une décennie plus tôt exigeaient un studio traditionnel.

What this job replaced

Neighbouring trades that no longer exist — absorbed, automated or regulated away.

Le réalisateur d'actualités

c. 1910–1967

Les actualités théâtrales — Pathé News, Universal Newsreel, Fox Movietone entre autres — employaient leurs propres réalisateurs pour filmer et monter de courts programmes factuels projetés avant chaque long métrage, une carrière entièrement construite sur des deadlines hebdomadaires plutôt que le contrôle narratif. La télévision fit disparaître les actualités théâtrales dans les années 1960 ; Universal Newsreel, la dernière grande américaine, cessa en 1967.

Le réalisateur salarié du studio

c. 1920s–1950s

Les réalisateurs de l'âge d'or hollywoodien étaient routinièrement des employés salariés sous contrats exclusifs pluriannuels, affectés à des projets plutôt que libres de les choisir, et contrôlaient rarement le montage final. L'arrêt antitrust United States v. Paramount Pictures de 1948 obligea les studios à vendre leurs salles et abandonner les contrats exclusifs ; en une décennie, la plupart des réalisateurs négociaient film par film comme indépendants.

Le réalisateur de feuilletons

c. 1913–1956

Des studios comme Republic Pictures et Universal employaient des réalisateurs spécialisés dans les serials — récits d'action publiés en douze à quinze chapitres hebdomadaires se terminant chacun en cliffhanger, tournés vite et bon marché pour les matinées du samedi. Republic sortit son dernier serial théâtral américain en 1955, et le format disparut des salles en quelques années alors que la télévision apportait le cliffhanger hebdomadaire directement dans les foyers.

Trades that vanished →

Le fil rouge de 130 ans de profession est une dispute grandissante sur qui peut réellement être appelé auteur : Méliès et Griffith pouvaient encore toucher presque chaque image de leurs films, tandis qu'aujourd'hui le réalisateur partage de plus en plus l'auteur avec les règles de franchise d'un studio, les données d'une plateforme de streaming et des logiciels capables de générer un storyboard entier en une nuit.

Ce qui n'a pas changé, c'est où repose la responsabilité le jour du tournage. Quiconque porte le titre, quelle que soit la décennie, est la personne qu'une équipe de cent personnes, un financier nerveux et, à terme, un public tiendront responsable de savoir si les rushes deviennent réellement un film.

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