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🎬The Greats

Réalisateur · Transforme un scénario en film achevé en décidant de chaque plan, de chaque jeu d'acteur et de chaque coupe, puis convainc producteur, studio et public que la vision valait le budget.

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La réalisation devint une profession reconnaissable vers l'époque où Georges Méliès construisait des mondes fantastiques avec des caméras arrêtées en banlieue parisienne ; cette liste va de son studio vitré de 1897 à un réalisateur sud-coréen remerciant son héros depuis la scène des Oscars en 2020.

Chaque entrée est choisie pour un accomplissement précis et vérifiable plutôt que pour la célébrité générale, et la liste croise délibérément continents, décennies et l'écart persistant entre hommes célébrés et femmes qui ont façonné le médium dès ses premières années tout en recevant une fraction du crédit.

The all-time podium

Alice Guy-Blaché
Alice Guy-Blaché
France / États-Unis
2
Georges Méliès
Georges Méliès
France
1
Sergei Eisenstein
Sergei Eisenstein
Empire russe / URSS
3

“Un accident technique, bien observé, peut devenir une grammaire visuelle entière ; traitez chaque bug comme une technique possible.”

Georges Méliès

The eight who reached the top

1
Portrait photographique de Georges Méliès Georges Méliès · Public domain

Georges Méliès

France · 1861–1938

Ancien prestidigitateur de scène ayant acheté une caméra en 1896, Méliès construisit le premier vrai studio du cinéma et traita la caméra comme machine à trucages, inventant l'arrêt caméra et la couleur teintée à la main ; Le Voyage dans la Lune (1902) est le premier vrai blockbuster d'effets spéciaux.

The story

Selon le propre récit de Méliès, le trucage vint d'un accident : filmant une rue parisienne depuis un tramway immobilisé vers 1896, sa caméra s'enraya quelques secondes ; au développement, un corbillard à cheval semblait s'être transformé en omnibus, car la circulation avait bougé pendant l'immobilisation. Méliès comprit ce qui s'était passé et commença à arrêter la caméra volontairement en cours de prise pour faire disparaître, apparaître ou transformer des objets — le trucage par substitution sous-jacent à presque tous les effets depuis.

“Un accident technique, bien observé, peut devenir une grammaire visuelle entière ; traitez chaque bug comme une technique possible.”

Films réalisés
~520 (1896–1913)
Studio fondé
1897, Montreuil
Le Voyage dans la Lune
1902, 14 min
2
Portrait photographique d'Alice Guy-Blaché Apeda Studio New York · Public domain

Alice Guy-Blaché

France / États-Unis · 1873–1968

Engagée comme secrétaire chez Gaumont en 1894, Guy-Blaché devint l'une des premières réalisatrices de fiction vers 1896, dirigea le département production de Gaumont une décennie, puis construisit et dirigea son propre studio Solax aux États-Unis avant que l'histoire du cinéma l'efface largement.

The story

À son Solax Studio de Fort Lee, New Jersey, qu'elle dirigeait depuis 1910, Guy-Blaché aurait accroché un grand panneau « BE NATURAL » au-dessus de la scène, demandant à des acteurs formés au théâtre exagéré d'abandonner les gestes théâtraux pour l'échelle plus intime exigée par la caméra — philosophie si centrale à sa méthode qu'un documentaire de 2018 sur sa redécouverte en fit le titre.

“L'instruction que vous répétez à chaque acteur devient votre style de direction ; la sienne tenait en deux mots sur un panneau.”

Films réalisés (beaucoup perdus)
Est. 700+
Solax Studio fondé
1910, New Jersey
Durée de carrière
~24 ans (1896–1920)
3
Portrait photographique de Sergei Eisenstein Unknown author Unknown author · Public domain

Sergei Eisenstein

Empire russe / URSS · 1898–1948

Réalisateur et théoricien soviétique dont Le Cuirassé Potemkine (1925) fit du montage — collision de plans pour produire un sens au-delà de chaque image — un système rigoureux et enseignable qui refaçonna la pensée du montage partout.

The story

Pour la séquence des escaliers d'Odessa de Potemkine, Eisenstein construisit le massacre presque entièrement en salle de montage : il filma la scène avec des habitants d'Odessa comme figurants sur plusieurs jours en 1925, puis entrecoupa gros plans, plans moyens et le landau de bébé en fuite dans un rythme conçu pour accélérer le pouls du spectateur plutôt que pour enregistrer les événements en temps réel — massacre fictif assemblé si persuasivement qu'il est souvent pris pour un document historique.

“Le sens se construit en salle de montage, pas seulement devant la caméra ; le montage décide du vrai rythme d'une séquence.”

Séquence des escaliers d'Odessa
~6 minutes
Longs métrages achevés
7 (1925–1946)
Ivan le Terrible, partie II
Interdit jusqu'en 1958
4
Portrait photographique d'Akira Kurosawa 映画の友 (Eiga no tomo) · Public domain

Akira Kurosawa

Japon · 1910–1998

Kurosawa réalisa 30 longs métrages sur cinquante ans, de Rashomon (1950), dont la structure de témoignages contradictoires donna à la théorie du « effet Rashomon », à Seven Samurai (1954), dont la structure d'ensemble de braquage a été reprise et imitée dans le cinéma mondial.

The story

Les trois assistants réalisateurs de Rashomon seraient allés ensemble chez Kurosawa pour lui demander d'expliquer le scénario contradictoire, car même eux ne le suivaient plus. Selon ses mémoires, Kurosawa le relut et leur dit que les êtres humains sont incapables d'être honnêtes sur eux-mêmes, et que le scénario montrait simplement des gens embellissant la vérité sur leurs propres vies ; l'explication les convainquit et le tournage suivit le texte.

“Si votre propre équipe ne comprend pas la structure d'une histoire, expliquez la vérité humaine sous-jacente plutôt que de simplifier l'intrigue.”

Longs métrages réalisés
30 (1943–1993)
Rashomon, Lion d'or à Venise
1951
Durée de Seven Samurai
207 minutes
5
Portrait photographique d'Agnès Varda Martin Kraft · CC BY-SA 4.0

Agnès Varda

Belgique / France · 1928–2019

Souvent appelée la « grand-mère de la Nouvelle Vague » bien qu'elle ait commencé avant, La Pointe Courte (1954) de Varda anticipa le tournage en décors réels des années avant Truffaut ou Godard, et elle continua des films radicalement personnels pendant six décennies, jusqu'à sa dernière année de vie.

The story

Varda réalisa son premier long, La Pointe Courte, en 1954, cinq ans avant que Les 400 Coups de Truffaut ne soit généralement crédité d'avoir lancé la Nouvelle Vague, filmant l'acteur professionnel Philippe Noiret aux côtés de pêcheurs locaux non professionnels à Sète, financé avec l'argent de sa propre famille. Elle dit plus tard n'avoir vu qu'une poignée de films avant de le réaliser, venant de la photographie plutôt que d'un bagage cinéphile, et le monta avec Alain Resnais, pas encore réalisateur.

“Vous n'avez pas besoin d'une formation cinéphile pour réinventer la forme du film ; l'observation directe peut la remplacer.”

Durée de carrière
63 ans (1954–2017)
Palme d'or d'honneur
2015, 1re femme
Oscar d'honneur
2017, 89 ans
6
Portrait photographique de Francis Ford Coppola Colleen Sturtevant · CC BY-SA 4.0

Francis Ford Coppola

États-Unis · n. 1939

Réalisateur du New Hollywood formé à l'UCLA, triple Oscar pour Le Parrain, partie II (1974) seul — réalisation, film, scénario — puis presque détruit en réalisant Apocalypse Now (1979), production si désastreuse qu'elle devint son propre documentaire célèbre.

The story

Quand Marlon Brando arriva aux Philippines pour jouer le colonel Kurtz dans Apocalypse Now, il n'avait pas lu Au cœur des ténèbres de Joseph Conrad, roman sur lequel le rôle s'inspirait vaguement, et avait pris beaucoup de poids, obligeant Coppola à le filmer surtout dans l'ombre et à improviser ses dialogues nuit après nuit alors que la production — retardée par un typhon et la crise cardiaque de Martin Sheen sur le plateau — passa de six semaines prévues à bien plus d'un an.

“Quand une production dérape hors de votre contrôle, adaptez la forme même du film au désastre plutôt que de lutter contre lui.”

Oscars Le Parrain II
3 sur un film, 1975
Production Apocalypse Now
~16 mois, 6 sem. prévues
Palmes d'or
2 (1974, 1979)
7

Kathryn Bigelow

États-Unis · n. 1951

Première femme à remporter l'Oscar du meilleur réalisateur pour Démineurs (2010), Bigelow construisit une carrière dans l'action et la guerre physiquement exigeantes — genre qu'Hollywood avait presque jamais confié à une femme réalisatrice avant elle.

The story

Aux Oscars 2010, le drame de guerre à petit budget Démineurs remporta meilleur film et meilleur réalisateur face à Avatar, plus gros succès de l'histoire à l'époque, réalisé par son ex-mari James Cameron — rare affrontement entre ex-époux pour les mêmes grands prix, décidé en sa faveur, et première fois en 82 ans d'histoire de l'Académie qu'une femme remportait le prix de la réalisation.

“Une histoire racontée avec discipline et retenue peut battre un spectacle bâti sur cent fois le budget.”

Oscar du meilleur réalisateur
2010, 1re femme
Budget de Démineurs
~15 M$
vs. box-office Avatar
15 M$ vs. ~2,7 Md$
8

Bong Joon-ho

Corée du Sud · n. 1969

Le thriller de classes Parasite (2019) de Bong devint le premier film non anglophone à remporter l'Oscar du meilleur film, couronnant une carrière passant fluidement entre films coréens et productions internationales comme Snowpiercer (2013) et Okja (2017), financé par Netflix.

The story

En recevant l'Oscar du meilleur réalisateur pour Parasite en 2020 — seul second cinéaste asiatique à remporter le prix — Bong dit via son interprète qu'il avait appris comme étudiant à vivre selon une citation de Martin Scorsese, autre nominé : « le plus personnel est le plus créatif », provoquant les applaudissements debout de la salle pour Scorsese, présent et battu par le réalisateur qui venait de le créditer.

“Même la nuit où vous battez votre propre héros, le créditer publiquement ne coûte rien et peut définir la salle.”

Oscar du meilleur film
2020, 1er non anglais
Oscars remportés Parasite
4 sur 6 nominations
Palme d'or à Cannes
2019, unanime

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Labo comparatif

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5 / 8

The argument

D. W. Griffith demeure la figure canonique la plus inconfortable de la profession : le gros plan, le montage alterné et la structure de long métrage qu'il a pionniers façonnent encore le montage, pourtant son film le plus influent techniquement, Naissance d'une nation (1915), est une propagande explicite du Ku Klux Klan qui alimenta la renaissance du Klan en 1915, et les écoles de cinéma débattent encore comment — ou si — enseigner sa technique séparément de ce qu'il en a fait.

Si un réalisateur mérite le crédit d'auteur principal d'un film reste une dispute vivante, pas une histoire close : l'essai de 1971 de Pauline Kael « Raising Kane » affirmait que le scénariste Herman J. Mankiewicz, et non le réalisateur Orson Welles, méritait la plus grande part du crédit pour Citizen Kane — débat que les historiens revisitent chaque fois qu'un génie singulier du réalisateur sert à expliquer ce qui était, sur chaque film, une production collaborative.

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