Historia del director de cine, de Lumière al streaming

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La dirección de cine es una de las profesiones más jóvenes de esta colección, inventada dos veces: cuando los hermanos Lumière demostraron que una fotografía proyectada podía moverse, y unos años después, cuando Georges Méliès comprendió que una cámara podía mentir tan fácilmente como registrar, que se podía escenificar una historia, no solo una escena.

Esta página sigue el oficio a través de diez hitos, cinco eras largas y tres roles de dirección que la profesión perdió por el camino —del director de noticiarios al contratado del estudio— mientras el cine pasaba de novedad de feria a forma artística financiada y disputada a escala mundial.

Dónde empezó

1895París, Francia

El 28 de diciembre de 1895, Auguste y Louis Lumière cobraron entrada por primera vez a un programa de diez cortometrajes en el Salon Indien du Grand Café de París, entre ellos Salida de los obreros de la fábrica Lumière y la Arrival of a Train at La Ciotat de cincuenta segundos, una proyección mitificada —probablemente con exageración— como si el público hubiera huido de un tren que solo era una proyección. Nadie en esa sala tenía aún el cargo de «director»; los Lumière trabajaban como inventores y operadores de cámara, y la idea de que alguien debía escenificar, y no solo registrar, una escena para la cámara aún tardaría unos años.

Línea de tiempo

1895Los hermanos Lumière cobran entrada

Auguste y Louis Lumière celebran la primera proyección pública de pago en el Salon Indien du Grand Café de París, un programa de diez cortos de un solo plano de actualidad que establece el cine proyectado como medio comercial.

1902Méliès inventa el blockbuster de trucos

Georges Méliès estrena Viaje a la Luna, una fantasía de catorce minutos construida con empalmes de sustitución stop-motion, dobles exposiciones y color pintado a mano: el primer gran espectáculo de efectos especiales del cine y la prueba de que un director podía escenificar una historia, no solo registrarla.

1915Griffith codifica la gramática —y la propaganda confederada

El nacimiento de una nación de D. W. Griffith inaugura el primer plano, el montaje paralelo y la estructura narrativa de largometraje que aún sostienen el montaje, al tiempo que glorifica al Ku Klux Klan con tanta explicitud que la NAACP organiza protestas y varias ciudades lo prohíben.

1925Eisenstein codifica el montaje

El acorazado Potemkin de Serguéi Eisenstein construye la masacre de las escaleras de Odesa casi por entero mediante la colisión de planos en el montaje, convirtiendo el montaje de hábito de edición en una teoría soviética enseñable sobre cómo se genera sentido en pantalla.

1929La Academia entrega su primer premio a mejor director

La Academy of Motion Picture Arts and Sciences presenta sus primeros premios a la dirección, divididos ese año entre Frank Borzage por drama y Lewis Milestone por comedia, formalizando la jerarquía hollywoodiense del prestigio directorial.

1936Los directores se organizan contra los estudios

Frank Capra y una docena de directores más fundan el Screen Directors Guild, luego Directors Guild of America, para conquistar salarios mínimos, protecciones creativas y, con el tiempo, más control sobre el primer corte de sus propias películas.

1941Welles demuestra que un contrato de estudio aún admite autoría

Orson Welles, con un control creativo sin precedentes de la RKO a los veinticinco años, dirige Citizen Kane con fotografía de profundidad de campo y una estructura fracturada y no lineal: una película que aún encabeza la mayoría de listas de las mejor dirigidas.

1951Kurosawa gana Venecia y abre el cine mundial

Rashomon de Akira Kurosawa, contada a través de cuatro testimonios contradictorios del mismo crimen, gana el León de Oro del Festival de Venecia, introduce el cine japonés a un público global y da a la teoría fílmica el término «efecto Rashomon».

1959La Nouvelle Vague pone en práctica la teoría del auteur

Los 400 golpes de François Truffaut, seguida un año después por Al final de la escapada de Jean-Luc Godard, aplican la «teoría del auteur» de Cahiers du Cinéma en localizaciones reales con cámaras al hombro y jump cuts, lanzando la Nouvelle Vague y un nuevo modelo del director como autor único.

2019Una película de Netflix gana el Óscar a mejor director

Alfonso Cuarón gana el Óscar a mejor director por Roma, una memoria en blanco y negro en español y mixteco financiada y distribuida por Netflix: confirmación de que un servicio de streaming podía financiar y ganar con cine de prestigio impulsado por el director.

Las eras

Una película muda proyectada con acompañamiento musical en vivo — Metro Pictures Corporation (still) · Public domain · Wikimedia Commons

1895–1912

El cine antes del director

Antes de que «director» fuera un cargo, las primeras imágenes del cine vinieron de inventores y operadores: los hermanos Lumière documentaban la vida real, mientras en Estados Unidos Edwin S. Porter experimentaba con unir planos en secuencia en Asalto y robo de un tren (1903). Georges Méliès, ex mago de escenario, llegó más lejos y más rápido: construyó un estudio de paredes de cristal en Montreuil en 1897 y trató la cámara como un truco de magia, deteniéndola a mitad de toma para hacer desaparecer, multiplicar o transformar objetos, y escenificando fantasías elaboradas años antes de que nadie llamara a eso «dirigir».

Fotografía de retrato del director D. W. Griffith — Unknown author Unknown author · Public domain · Wikimedia Commons

1913–1927

Hollywood estandariza una gramática dirigida

Al pasar las películas de unos minutos al largometraje, alguien tenía que organizar docenas de planos en una historia coherente, y D. W. Griffith hizo más que nadie por definir cómo: el montaje paralelo, el primer plano y el iris se volvieron vocabulario estándar en películas como El nacimiento de una nación (1915), cuyas innovaciones narrativas son inseparables de su glorificación explícita del Ku Klux Klan y de las protestas que provocó. En esos mismos años Universal, Paramount y otros estudios se consolidaron en compañías verticalmente integradas que pronto emplearían a los directores como personal asalariado.

Fotograma de producción de un plató sonoro del Hollywood clásico — Selznick International Pictures; Fred Parrish, photographer · Public domain · Wikimedia Commons

1927–1949

Llega el sonido, se consolida el sistema de estudios

El sonido llegó comercialmente con El cantante de jazz en 1927, obligando a directores acostumbrados al relato puramente visual a escenificar de pronto el diálogo y gestionar nuevo equipo de grabación en el set. Los grandes estudios de Hollywood poseían ya producción, distribución y sus propias cadenas de salas, y empleaban a directores contratados como John Ford y Michael Curtiz en acuerdos plurianuales fijos con poco control sobre el corte final; en 1936 Frank Capra y otros fundaron el Screen Directors Guild para recuperar parte de esa autoridad. En la Unión Soviética, Serguéi Eisenstein perseguía un modelo opuesto, financiado por el Estado y construido por entero en torno a la teoría del montaje.

Una escena que evoca el estilo de cámara al hombro y en localización de la Nouvelle Vague — Janus Films · Public domain · Wikimedia Commons

1950–1968

Nuevas olas globales desafían al director de estudio

El público de posguerra descubrió que Hollywood no era la única, ni siquiera la más inventiva, fuente de cine. Rashomon (1950) de Akira Kurosawa y los austeros dramas suecos de Ingmar Bergman ganaron premios en Venecia y Cannes; Federico Fellini volvió el cine italiano hacia lo interior y lo surreal; y en Francia críticos convertidos en directores de Cahiers du Cinéma —Truffaut y Godard entre ellos—, junto a cineastas de la Rive Gauche como Agnès Varda, rodaron en calles reales con equipos pequeños y jump cuts, argumentando en papel y en pantalla que un director podía ser el verdadero autor de una película.

Un equipo de cámara de los años setenta que evoca la era del New Hollywood — Distributed by Warner Bros.-Seven Arts . · Public domain · Wikimedia Commons

1969–present

New Hollywood, blockbusters y la plataforma de streaming

Los directores del New Hollywood —Coppola, Scorsese, Altman y Spielberg entre ellos— lograron brevemente la confianza de los estudios para hacer películas personales impulsadas por el director a principios de los setenta, antes de que Tiburón (1975) y La guerra de las galaxias (1977) demostraran que un solo blockbuster podía superar toda la cartelera previa de un estudio y empujaran a la industria hacia el cine de franquicia y efectos. Las cámaras digitales y el montaje no lineal disolvieron luego el coste de experimentar, y en la década de 2010 las plataformas de streaming financiaban y distribuían películas dirigidas directamente, saltándose las salas en proyectos que una década antes habrían necesitado un estudio tradicional.

Lo que este oficio reemplazó

Oficios vecinos que ya no existen — absorbidos, automatizados o regulados fuera.

El director de noticiarios

c. 1910–1967

Los noticiarios teatrales —Pathé News, Universal Newsreel y Fox Movietone entre ellos— empleaban a sus propios directores para filmar y montar programas fácticos breves proyectados antes de cada largometraje: una carrera de dirección construida por entero en torno a plazos semanales, no al control narrativo. Las noticias de televisión hicieron obsoletos los noticiarios teatrales en los años sesenta; Universal Newsreel, el último gran estadounidense, cerró en 1967.

El director contratado de estudio

c. 1920s–1950s

Los directores del Hollywood dorado eran habitualmente empleados asalariados del estudio bajo contratos exclusivos plurianuales, asignados a proyectos en lugar de elegirlos y rara vez controlando el corte final de sus propias películas. La sentencia antitrust United States v. Paramount Pictures de 1948 obligó a los estudios a vender sus cadenas de salas y abandonar los contratos exclusivos, y en una década la mayoría de los directores negociaban película a película como freelancers.

El director de seriales por capítulos

c. 1913–1956

Estudios como Republic Pictures y Universal empleaban a directores especializados por entero en seriales: historias de acción en doce a quince capítulos semanales que terminaban cada uno en un cliffhanger, rodados rápido y barato para el público de las matinés del sábado. Republic estrenó su último serial teatral estadounidense en 1955, y el formato desapareció de los cines en un par de años cuando la televisión llevó el cliffhanger semanal directamente a los salones.

Oficios que desaparecieron →

El hilo que atraviesa 130 años de la profesión es un argumento cada vez más amplio sobre quién merece realmente llamarse autor: Méliès y Griffith aún podían tocar casi cada fotograma de sus películas, mientras que el director de hoy comparte cada vez más la autoría con las reglas de franquicia de un estudio, los datos de una plataforma de streaming y un software que puede generar un storyboard entero de un día para otro.

Lo que no ha cambiado es dónde se asienta la responsabilidad el día del rodaje. Quien ostente el título, en la década que sea, es la persona a la que un equipo de cien personas, un financiero nervioso y, al final, el público pedirán cuentas de si el material rodado llega a convertirse realmente en una película.

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